Mi idea como primer propuesta fue realizar una portada para un libro el cual exprese mediante las ventanas diferentes realidades por las que puede atravesar una persona.

Como punto de partida comencé por seleccionar las fotos que representaban a mi forma de ver realidades diferentes, o mejor dicho que expresen situaciones distintas que se le pueden interponer a cualquier individuo, ya sea la enfermedad, la felicidad, etc.

Podemos observar que existe un equilibrio simétrico en la composición, ya que al dividir la misma en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados.

La tipografía que utilice fue Angelina. El color de la portada fue el original de la fotografía, el naranja, este color actúa como estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo, exaltación, ardor y pasión.

Pasemos a la segunda idea...

La intención en esta composición fue tratar de reflejar de la manera mas clara posible la frase “salto virtual”. La idea fue expresar la acción de avance, salto, dejando una huella de este sobre el monitor.

Esta composición gráfica podría ser empleada como volante para un cyber o algo relacionado con lo virtual.

A diferencia de la primer propuesta podemos observar que en esta existe un equilibrio asimétrico, ya que al dividir la composición en dos partes iguales no existen las mismas dimensiones en peso, este abunda notablemente sobre el lado izquierdo, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.

Tercer propuesta...

La tercer composición como bien lo muestra el soporte la pensé como portada para una pagina web.

Como punto de partida comencé por seleccionar imagenes las cuales me insinuaran la palabra conexión, por ej.: con uno mismo, con tu música, tu cuerpo, tu pareja y el mundo, es decir diferentes formas de conexión.

Como tipografía utilice una llamada bjorkfont, ya que me pareció interesante y me era de utilidad la forma en que destaca la X esta fuente.

1- Las Diferencias de un weblog con una página web

Cabe aclarar que para poder responder a la primer pregunta me voy a remitir al filósofo y ensayista Alejandro Piscitelli.

Para poder responder a esta pregunta primero debemos saber que estamos diciendo cuando decimos weblog y que cuando cuando decimos pagina web, ya que estamos hablando de dos conceptos diferentes por lo tanto van a existir diferencias.

La página web es un documento electrónico que contiene información específica de un tema en particular.

El weblog es una pagina web que se actualiza frecuentemente, una especie de diario online.

A diferencia de una pagina Web común, los blogs son plataformas de software que les permite a las personas casi sin ningún conocimiento técnico iniciar y mantener actualizado el mismo.
El blog es un programa gratuito, cosa que la página Web no.

El blog contiene material fresco, ya que es actualizado diariamente, en cambio una página no se actualiza muy a menudo, tiene una información más estática.

La revisión permanente del blog nos invita a visitas periódicas

Los post de los blog deben ser breves en comparación con una página web en donde es común que un artículo tenga más de 2000 palabras.

La posibilidad de interactuar entre el autor y los lectores, entre los que se puede establecer un diálogo

La creación del blog a diferencia de la página Web es más sencilla, más fácil de editar y publicar, en tan solo tres pasos el blog puede estar creado.

Los Weblog se remiten permanentemente a cualquier otro sitio de la Web (links)
Otra de las tantas diferencias es que el blog es una pagina a base de plantillas prediseñadas, en cambio en la Web nosotros somos quienes diseñamos la estructura.

Los blogs poseen funciones que las paginas web no poseen (facilidad para enlazar con otras páginas, buscadores internos, comentarios de los lectores, posibilidad de moderarlos, detección automática de enlaces que "apuntan" a nuestra página, sistema de almacenamiento de archivos, clasificación de los artículos en categorías, enlaces permanentes a las historias publicadas).

2- Para comprender que son los scripts....

Para poder comprender que son los scripts recurrí al texto de Lev Manovich.

Los Scripts son un tipo de lenguaje de programación interpretado, que también se denominan subrutinas, funciones y procedimientos, cada una de ellas se van entrelazando para poder modular programas más grandes en la web. Se utiliza para poder estructurar la información en una pagina.

Se utiliza para llevar a cabo tareas secuénciales, paso a paso, como son las definidas en macros de aplicaciones, como hojas de calculo, programas de gráficos o editores de texto.

3- Virtudes y limitaciones de un weblog como medio de comunicación

4- Antes comenzar con el análisis del sitio web asignado(www.yugop.com) me pareció importante definir el concepto desde el cual debo analizar el sitio, el concepto de “Interfaz”.
La interfaz es un conjunto de comandos y métodos que permiten la intercomunicación del programa con cualquier otro programa o elemento interno o externo.

Lev Manovich sostiene que “un objeto de los nuevos medios puede definirse como una o mas interfaces a partir de una base de datos multimedia”. En el sitio yugop se generan distintas interfaces de acuerdo a las órdenes del navegante. Es una pagina totalmente interactiva, que permite una intervención directa con el usuario, produciéndose una interacción entre ambos.

Tambien pude notar que utiliza la interfaz grafica del usuario, la cual es un método para facilitar la interacción del usuario con el ordenador, a través de objetos en movimiento, sonidos, entre otras cosas, que crea un ambiente y caracteriza el programa que la esta utilizando.

En la pagina de inicio al sitio se puede observar una variedad de círculos de diferentes dimensiones. A medida que se iban evaporando círculos de la parte inferior, iban naciendo nuevos desde la parte superior.

Investigando un poco mas el sitio note que, posicionando el mouse sobre alguno de estos elementos,los mismos se desplazaban hacia donde yo deseaba.

Las cosas que podemos hacer en este sitio...

Se pueden buscar libros, videos o música ya sea por autor, director, artista u otras categorías y de esta manera saber el precio de las distintas obras, su ranking de ventas y demás detalles.Además se pueden observar videos de usuarios generados con cámaras web pero que en la pantalla se reproducen con distintos efectos o distorsionadas.

Convertite en artista por unas horas!!!

5- A fin de completar y enriquecer los textos elaborados, la cátedra propuso la incorporación de un vídeo de youtube.

La Revolución de los Medios




Navegando por la web encontré este vídeo que me pareció muy interesante, sobre los medios y el futuro de Internet.
Nos muestra una visión de lo que posiblemente podrá ser el futuro para los medios de comunicación, un futuro dominado por lo virtual.... se lo imaginan?

Lo que he venido exponiendo hasta aquí, no es más que una pequeña muestra de un tema tan amplio como lo es “el arte y el diseño”.

Me sumergí en la historia occidental para conocer lo que fue aconteciendo en los siglos XIX Y XX. Para tener una noción mas aproximada, aunque incompleta, recurrí a Internet.

La verdad que fue muy interesante realizar esta investigación ya que con ella pude reconocer las vinculaciones existentes entre el diseño y el arte. Vistos desde la perspectiva de la historia.

Pudiendo analizar todo un trayecto ordenado logré ir conociendo como el diseño y el arte fueron evolucionando a través del tiempo.

Descubrí así la importancia que alcanzaron los diseñadores de la época, una posición y un prestigio que antes estaba reservado únicamente a los grandes artistas.

"Las relaciones y diferencias entre diseño y arte no deben buscarse en el plano estético de sus producciones sino en los fines que persigue cada actividad".

El siglo XX fue un siglo en donde nacieron importantes movimientos artísticos que han cambiado el concepto de arte: lo que es el arte, y hasta lo que se considera o no obra de arte.

Como dije anteriormente este siglo trajo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los movimientos más destacados fueron, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.

En este siglo ya no se imita a la realidad, se interpreta de manera más o menos real. Se le empieza a dar más importancia al color, a la forma, al paisaje y a las sensaciones que producen su combinación en la composición, y menos a su vinculación con la realidad. Una obra es bella por las combinaciones de colores y por sus formas, no por su parecido con la naturaleza.

Navegando por la web encontré un magnifico cortometraje animado realizado por Joan C. Gratz. Fue lanzado en 1992, recorre el trabajo de 35 artistas del siglo XX, con transiciones muy peculiares.

Hace uso del efecto de metamorfosis entre las obras, además podemos observar el movimiento que expresa este trayecto lo que lo hace muy entretenido y nos demuestra la vida que puede estar detrás de cada obra.

El corto se llama “Mona Lisa descending a staircase” que significa ”Mona Lisa descendiendo una escalera“. Este cortometraje ganó en 1992 el Oscar por mejor cortometraje animado.

“Mona Lisa descending a staircase”

En este siglo se recuperan los temas clásicos y mitológicos. Con lo que se desvinculan los temas representados de la propia época. Pero estos toman un carácter moral, la moral de la burguesía capitalista que empieza a triunfar.

Aparece el romanticismo que trata los temas de su tiempo, y expone la concepción de la vida burguesa. Los paisajes comenzaron a aparecer como motivo central, lo que implica un cierto distanciamiento de la función didáctica y una aproximación a la función estética.

Información extraída de Wikipedia (enciclopedia libre)

Tomate 3' para ver este vídeo...

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina “La maison del Art Nouveau”, diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países.

Recurría a composiciones asimétricas, a líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos, formas inspiradas en la naturaleza. Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial

Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla íntimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Este movimiento pretendió recuperar los diseños y la elaboración de buena calidad. Basándose en los postulados del Arts & Crafts, el Art Nouveau los reelaboró para crear un estilo completamente nuevo que, no hiciera referencia a estilos del pasado.

Llego el turno del siglo XX, el siglo de las grandes guerras pero es también el siglo del progreso y de la modernidad. Las contribuciones del diseño gráfico a la comunicación, publicidad e identidad corporativa son decisivas en unos mercados cada vez más complejos y competitivos.

Tuvo que llegar el siglo XX para que por fin la prensa cambiara los esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas. Luego de muchos años de impresión manual se dio paso a lo mecánico y automático.

Surgieron especialistas en cada fase del proceso, comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, etc. y las funciones de los tipógrafos se iban reduciendo cada vez mas.

La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario.

En el siglo XX surge una nueva generación de diseñadores que crean un nuevo estilo de arte: el Art Nouveau o Modernismo , el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte, acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al diseño tipográfico, no solo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.

La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.

También hicieron su aparición en el siglo XX los ordenadores, máquinas en un principio destinadas a un grupo reducido de técnicos y especialistas, pero que poco a poco fueron ganando popularidad y que con la aparición del ordenador personal se extendieron a todos los ambientes y grupos sociales.

El diseño de principios de este siglo, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro de Londres, y Eric Gill.

Tipografía utilizada para el mapa del metro de Londres inspirada

por los tipos industriales geometricos.

Debemos saber que este es el siglo en donde el diseño comienza a considerarse como tal.

Algunos de los hechos a destacar del siglo XIX es en 1814 cuando se inaugura la era de la mecanización de la industria de la impresión, incorporando la máquina semiautomática, posteriormente surge la linotipia.

Hubo un cambio notable al comenzarse a usar este proceso, ya que el remplazo de las antiguas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños formatos.

El desarrollo del diseño gráfico continúo, hasta que se lleva a cabo la separación entre Bellas Artes y Arte Aplicada, en el siglo XIX.

En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.

Hay que destacar la creación de Rowland Hill,el sello de correos. Se asume la técnica del grabado calcográfico como unidad estilística propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.

Sello de correo

Grabado calcográfico

Otro gran impulsor del desarrollo del diseño gráfico fue la Revolución Industrial. Surgieron las fábricas y la economía de mercado, la gente comenzaba a trasladarse a las ciudades en busca de trabajo, comenzaron a aumentar las tiendas y los comercios y empezó la competitividad entre empresas por hacerse con una parte del mercado. Con ello apareció y se desarrolló una nueva técnica comercial, la publicidad, encargada de hacer llegar a los consumidores mensajes específicos que les convencieran de que un producto dado era mejor que otros análogos.

El desarrollo de la publicidad trajo consigo un desarrollo paralelo del diseño gráfico y de los soportes de comunicación. Había que convencer al público de las ventajas de un producto o marca, y para ello nada mejor que mensajes concisos, cargados de componentes psicológicos, con diseños cada vez más elaborados, que se hacían llegar al mayor número posible de personas. El cómo se transmitía la información llegó incluso a superar en importancia a la misma información transmitida.

No se trataba de que los mensajes sean visualmente lindos, sino efectivos, que cumplieran con el objetivo, "vender", y para ello no se dudo en realizar grandes inversiones, haciendo posible un gran avance en las técnicas de diseño y la aparición de profesionales dedicados exclusivamente a desarrollarlas y ponerlas en práctica: los diseñadores gráficos.

Me pareció interesante destacar una frase del conocido diseñador francés Philippe Apeloig, la cual quiero compartir con ustedes.

“El diseño gráfico es el punto exacto del cruce entre el arte y la comunicación”.

–Philippe Apeloig

Una discusión que lleva muchas décadas, algunos dicen que es igual, otros que no, otros hablan de una relación que lleva a la perfección otros no y otras tantas cosas.

Si bien el diseño grafico y el arte tienen muchas características que los vinculan, no significa que sean lo mismo, podrán tener muchas cosas en comun pero sus objetivos y lo que logran van por senderos muy separados.

El arte se cree que es de interés personal, una manera de expresar una visión personal de algo real o imaginario, y el diseño es de interés comercial, se trata de un proceso de crear algo con el fin de ser usado por el humano. Este proceso de “crear algo”, se refiere a comunicar el mensaje a un publico determinado.

El arte se diferencia del diseño en la “esencia de las cosas”, el arte se encarga de encontrar y definir la esencia de las cosas, es decir, los objetos pasan a tener valor cuando alguien se los da, o los crea para entregarles un valor o una condición intrínseca, para otros el arte es la transmisión de la esencia del ser humano, lo único que posee el verdadero arte, y la manifestación de eso en la materia es la obra artística del artista.

Me pareció importante destacar una parte de una entrevista que le hicieron a “Joan Costa” (comunicólogo, diseñador, sociólogo e investigador de la comunicación visual) una buena contribución para entender porque se dice que el arte no es diseño.

—¿El diseño es arte?
—No, querida. Diseño es diseño.
—No me negarás que el arte y el diseño tienen mucho en común....
—También tú y yo tenemos mucho en común, pero somos diferentes. Lo que tenemos en común pertenece a la especie. Pero lo que define nuestra identidad como individuos únicos e irrepetibles no es lo que tenemos en común, sino justo lo que nos es propio psicológica y culturalmente. La teoría de la Forma ya nos enseñó que la percepción asocia lo que se parece. Pero cuando vas más allá de la percepción en busca de un conocimiento, y encuentras una sola diferencia, entonces sigue observando y descubrirás más y más diferencias. Las únicas semejanzas entre arte y diseño son puramente formales. Pero La Gioconda y la marca de Mercedes son algo más que formas.

Aquí les dejo la pagina para que puedan leer la entrevista completa
http://www.foroalfa.com/A.php/La_eterna_e_inutil_discusion/15

Quiero dejar en claro que desde mi punto de vista arte y diseño no son lo mismo, podrán tener muchas cosas en común, pero son diferentes… tienen fines distintos. El arte expresa una visión personal de algo real o imaginario, en cambio el diseño tiene como fin comunicar un mensaje a un público determinado.

¿Y vos... que pensas?

Buscando una respuesta sobre el origen del arte encontré un artículo en diario “Clarín”, que puede ser un buen aporte para avanzar en el conocimiento de los supuestos orígenes de este.

Ultimas noticias sobre el nacimiento del Arte

Dicen que empezó hace 77.000 años. Hallan en Sudáfrica dos piedras grabadas con motivos geométricos. Son 42 mil años más antiguas que las pinturas rupestres.

Dos piedras grabadas con dibujos geométricos, encontradas en Sudáfrica por un equipo internacional de arqueólogos, constituyen las evidencias más antiguas de arte encontradas hasta hoy. Tienen unos 77.000 años, es decir, 42.000 años más que las pinturas rupestres más antiguas que se conocen.

Los hallazgos, difundidos hoy en la revista Science, fueron realizados en 1999 y 2000 por investigadores de Sudáfrica, Estados Unidos, Noruega, Francia y Gran Bretaña en la cueva de Blombos. El trabajo fue conducido por Christopher Hensilwood, profesor adjunto de la Universidad del Estado de Nueva York.

Se trata de dos piedras de ocre de 76 y 53 milímetros de largo. El o los autores, primero limaron las piedras para crear superficies planas, y luego grabaron en ellas numerosas líneas que se cruzan con regularidad. La complejidad del motivo geométrico indica que el trabajo fue preparado según una secuencia deliberada de opciones. En la misma cueva se hallaron puntas de hueso bien trabajadas.

Algunos investigadores dudan de que se trate de arte. "Pueden ser sólo garabatos", opinó Jean Clottes, experto francés en pintura rupestre. "Es arte —afirmó el antropólogo Stanley Ambrose, de la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign—. Sin duda es un diseño geométrico abstracto grabado a propósito".

Antes que siluetas de animales u otras imágenes tomadas de la naturaleza, los dibujos muestran una representación consistente de convenciones arbitrarias que expresan conceptos mutuamente comprendidos. "Quizá fueron hechos con una intención simbólica, cuyo significado desconocemos", aventuró Hensilwood.

Según los arqueólogos, estas piezas demuestran que la percepción del arte y el comportamiento moderno del hombre posiblemente surgió mucho antes de lo que se creía. Las representaciones abstractas más antiguas hasta ahora, encontradas en Francia, tienen menos de 35.000 años.

En el desarrollo de los humanos se estima que el hombre llegó a ser anatómicamente moderno en Africa, hace unos 100.000 años. Pero los especialistas aún no han logrado determinar si la anatomía y la conducta evolucionaron al mismo tiempo. Tampoco coinciden respecto de qué rasgos distinguen a los modernos humanos de sus primeros ancestros.

De allí la importancia del descubrimiento en Sudáfrica. "Hay consenso en que las imágenes abstractas o descriptivas son un criterio de evidencia arqueológica que indica una conducta moderna. Los grabados de la cueva de Blombos son imágenes intencionales", subraya Henshilwood.

Desde hace tiempo los expertos se preguntan por qué pasaron más de 60.000 años hasta que en Europa se visualizara por primera vez un comportamiento moderno. Si el hallazgo de Blombos resulta ser el eslabón que faltaba, entonces el Homo Sapiens sólo necesitó de 20.000 a 30.000 años para desarrollar sus capacidades cognitivas y su sentido artístico, cuando ya había desarrollado su cuerpo.

http://www.clarin.com/diario/2002/01/12/s-04001.htm

Para conocer el origen del diseño me remontare al siglo XIX, para saber aquello a partir de donde y por que el diseño es lo que es y tal como es.

Con respecto a la historia del diseño gráfico, este se comienza a considerar como tal, ya avanzado el siglo XIX. Aún así, ciertos especialistas en la materia del diseño gráfico, creen verlo de manera incipiente en algunas de las pinturas rupestres, realizadas por los seres humanos, que habitaron la era del Paleolítico.

Incluso, obras artísticas, mezcladas con la escritura, como la Biblia hecha a mano por monjes irlandeses en el siglo IX, llamado el libro de Kells han sido consideradas, como expresiones válidas, de lo que hoy en día se considera como diseño gráfico.ero el diseño gráfico, alcanza su niñez real, luego de la invención de la imprenta. Es así como continúo el desarrollo del diseño gráfico, hasta que se lleva a cabo la separación entre Bellas Artes y Arte Aplicada, en el siglo XIX.

En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge la linotipia.

El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y estrechos formatos.

En lo que refiere a la historia del diseño gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron hechos como la Revolución Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la actividad publicitaria.

Es importante que tengamos en cuenta que muchos aspectos políticos, sociales y religiosos de cada época, han influido en la evolución o retroceso en lo que concierne a los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de letras, el trabajo tipográfico, hasta la aparición de los libros, periódicos, enciclopedias y carteles.

Antes de sumergirnos en el tema puntual a desarrollar, me parece que es importante que sepamos de qué hablamos cuando decimos diseño, y de que cuando decimos arte, ya que sin tener una definición de ambos conceptos seria imposible que podamos conocer la relación que existe entre uno y otro.

• Por arte se entiende el acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética . El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y sonidos.


• Al diseño gráfico lo podemos definir como el proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de elementos para producir objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados.